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Au théâtre de l'ouest parisien de Boulogne-Billancour jusqu'au 20 janvier.

Quel prix êtes-vous prêt à payer pour ne pas vous vendre ?…
Le jeune Louis Laine a quitté la France en compagnie de Marthe, son épouse, pour s'installer aux Etats-Unis ou il travaille comme gardien du domaine de Thomas Pollock Nageoire, un millionnaire américain marié à l’extravagante actrice Lechy Elbernon. Ce dernier n'est pas riche par hasard : il sait qu'on peut tout acheter. Il a vite fait de repérer le prix inestimable de l'amour et de l'innocence de Marthe ; il décide donc de se l'approprier.

Yves Beaunesne a choisi de travailler sur la première version de L’Échange, celle de 1893, avec sa langue aussi chargée qu’une bombe et ses personnages à la carrure de saints et de voleurs. Il y a là-dedans de la peau, du sang, de l’alcool, Eschyle, des dollars, des tempêtes et un incendie. Claudel raconte son Amérique, fascinante, et en même temps cette France qu’il ne peut oublier. Ce quatuor entre deux mondes est servi par une distribution puissante et belle, à la hauteur des odeurs de souffre et de stupre qui se dégagent de ce texte infernal.


De Paul Claudel

Mise en scène Yves Beaunesne

Collaboration artistique Marion Bernède
Assistanat à la mise en scène Augustin Debiesse
Scénographie  Damien Caille-Perret
Costumes  Patrice Cauchetier
Lumières  Joël Hourbeigt
Création son  Christophe Séchet
Coiffures et maquillages  Catherine Saint-Sever

Avec
Nathalie Richard, Julie Nathan
Alain Libolt, Jérémie Lippmann 

Pour en savoir plus : TOP

La création du fameux Pippo Delbonno au théâtre du Rond-Point -> Jusqu'au 2 février.

Ce n'est pas pour des questions de mode, mais parce que les temps changent que nous devons pratiquer un art différent.
À l'origine de cette nouvelle création de Pippo Delbono, il y a un livre du romancier américain mort du sida Harold Brodkey, Cette obscurité féroce, découvert par hasard lors d'un séjour en Birmanie. Avec beaucoup de douceur, de délicatesse et de grâce, c'est à une méditation apaisée, jamais triste, sur la mort que nous convie ce spectacle. Pippo Delbono y convoque des images de carnaval, un défilé de masques, des costumes chatoyants qui passent comme des ombres lumineuses, évoquant l'éclat éphémère d'un ballet de lucioles, flottement hypnotique où mort et vie se tiendraient par la main. On pense à Goya, à James Ensor, à Venise car plus encore que dans ses oeuvres précédentes, Pippo Delbono joue ici beaucoup sur l'aspect pictural. Les yeux grand ouverts sur la condition humaine, la maladie, la souffrance, la mort, il donne là un spectacle vibrant et puissant.

Pourquoi choisir d’évoquer la mort ?

 

Pippo Delbono : Nous avons l’habitude de ne pas en parler, de la considérer comme une chose qu’on ne peut pas connaître, noire et obscure, alors qu’elle est quelque chose qui appartient à la vie, un événement qui passe dans notre histoire. C’est aussi une question de culture. En Italie par exemple, la mort est liée à cette obscurité, à la question de ce qui se passe après, à celle du paradis et de l’enfer. Nous sommes conditionnés à la considérer comme quelque chose qu’on attend et non pas comme un continuum de la vie. En Occident, étonnamment, la mort n’est pas omniprésente et pourtant notre société est triste : on le voit dans les yeux des gens. En Inde, en Birmanie, en Afrique, on sent la vie et la joie beaucoup plus qu’en Europe et pourtant la mort est partout.

 

Ce thème suppose-t-il un traitement théâtral particulier ?

 

P. D. : Il n’y a pas de cris, pas de violence dans ce spectacle. Je ne descends pas dans la salle non plus, contrairement à d’habitude. J’ai senti la nécessité d’un voile entre nous et le public et un besoin de pudeur pour raconter cette histoire. Le thème est en lui-même plein de force et j’ai senti le besoin de trouver la couleur d’une poésie plus douce. Quand je fais un spectacle, je ne cherche pas une idée précise ; je cherche plutôt à me libérer la tête. Je chante une nécessité profonde plus qu’une pensée. Dans un voyage qui va vers ce thème-là, c’est la vie, le corps qui donnent l’énergie. Je suis anti-rationaliste au théâtre : je peux répondre au comment d’un spectacle mais pas à son pourquoi. Pourquoi est une question qui me fait peur. Je ne sais pas pourquoi les choses, ni pourquoi je fais un spectacle. Quand il y a beaucoup de pourquoi, on ne comprend plus rien du tout ! Quand on aborde un thème aussi profond, on doit se débarrasser du pourquoi et se mettre dans une écoute poétique : c’est de là qu’est venue la nécessité de l’intimité et de ne pas crier. Il y a un temps pour être violent et un temps pour être doux, leurs motivations sont différentes.

« Je suis anti-rationaliste au théâtre : je peux répondre au comment d’un spectacle mais pas à son pourquoi. »

Comment abordez-vous ce temps de la douceur ?

 

P. D. : Par la danse ; je dois beaucoup à l’expérience de la danse. Dans ce spectacle, j’ai voulu des solos de danse, pour arriver à retrouver le besoin de parler seulement avec la danse et remettre le corps à l’ouvrage. Lorsque j’ai participé à l’Ecole des Maîtres, je me suis retrouvé avec des comédiens sortant des différents conservatoires d’Europe. Ils étaient morts physiquement ! Le théâtre est trop devenu un théâtre de la tête. Avec eux, j’ai travaillé des heures sur la danse. Ça a été très important pour moi aussi car ça m’a permis de me retrouver dans mon corps. Il y a des choses qu’on ne peut pas affronter seulement avec les paroles, des choses mystérieuses, qui supposent une chorégraphie sans pourquoi, inscrite seulement dans la qualité du mouvement.

 

Vous interprétez également Les Récits de juin lors de votre séjour au Rond-Point.

 

P. D. : Les Récits de juin est une sorte de double de Questo buio feroce, un double autobiographique. Je suis seul en scène et je raconte la façon dont je suis entré dans le théâtre, comment la vie m’a donné et pris des choses et comment le théâtre est lié à la vie. Les Récits de juin racontent quelqu’un qui n’a pas peur de raconter ce qu’il est. Ce spectacle est douloureux et pourtant il fait rire. Questo buio feroce recherche davantage la joie que le rire. Je ne peux pas rire sur la mort des autres mais je dois commencer à rire sur moi, metteur en scène, artiste, homme. C’est là que commence l’ironie vraie qui permet de retrouver la joie sur sa propre mort. Tout doit commencer là car la révolution commence par soi-même : il est inutile de vouloir révolutionner le dehors si on n’a pas le courage de changer soi-même.

 

Propos recueillis par Catherine Robert


Pour plus d'information:
http://www.theatredurondpoint.fr/saison/fiche_spectacle.cfm/42589-questo-buio-feroce.html 

http://www.pippodelbono.it
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Je l'ai vu:
Encore une très belle mise en scène de Pippo Delbono, un visuel important et magnifique, un espace vide et blanc où seuls les comédiens apportent leurs corps et leurs personnages.
Des poches de sangs déssendent sur scène, tel la vie amenée par une force supérieure.
Pippo continu à nous faire passer du sourir aux frissons... En nous montrant que la mort est aussi un espoir.
J'en suis sortie ému, heureuse avec deux-trois larmes quand je me suis rendu compte de se que je viens de recevoir...
Ce n'est jamais évident de parler de ces mise en scènes, il faut les voir.

Bonjour à tous!
Bienvenu sur mon blog! 
Je me présente Clairon, étudiante en art du spectacle en région parisienne.
Dans mon blog je vous parlerez des pièces, films, groupes de musique qui me plaisent, lieux où je vais en espérant que cela vous inspire pour quelques sorties!
Bonne visite!

-N'hésitez pas à me laisser quelques impressions vous aussi-